木吉他入门教学 音色

　　我们今天的木吉他入门教学课程，跟大家来探讨一下木吉他的音色方面的问题。

　　木吉他入门教学 音色

　　基础：音色的概念

　　一个声音的音色，在物理上是由它的泛音来决定的，泛音的多寡，决定着这个声音的特性，同样是C音，我们可以分辨出这是吉他的声音，那是小号的声音，而这是钢琴的声音等等…..

　　用物理的角度去解释音色，显得很冷、僵硬，如果从音乐的角度，那音色就会被赋予不同的意义和修辞，比如透明的、干净的、亮丽的、有穿透力的、尖锐的、沉闷的…..，似乎音色就像是画家的颜料，经由音乐家的挥洒，音色也具有了个性。

　　对于画家来说，很难回答那种颜色是好的还是坏的，合理的解释是什么样的颜色适合什么样的题材，画一朵向日葵，正常来说当然是用鲜艳的颜色，除非画家的心境郁闷，这朵美丽的花在他看来是灰色的。可是对于学音乐的人来说，时常会讨论音色的优劣问题，这也是事实，因为不当的弹奏方式或者制作粗糙的乐器，会使演奏出来的声音难以入耳。 可是假设当以上两个问题都获得解决时，那么音色对于学音乐的人来说，还有更多的意义吗?

　　有的，在音乐中，音色需要对比和个性，个性的问题容后再述。 大多数音乐作品在完成时，作曲家应该已经预想到整体的形象，包括乐器的配制，和声的运用及结构的松紧等等，剩下的就看演奏者如何诠释，就像漫画家把漫画的线条画好，接下来就是上色和色彩浓淡的运用了;一个演奏者要掌握不同的“发声法”，拥有即使弹同一个音符也能弹出各种色彩的能力，音乐的色彩是看不到的，全凭听觉上的感觉，明亮或阴暗，饱满或松散，圆润或尖锐，这是手指的训练，也是耳朵的训练，学声乐的人无法看到身体内部的器官，只能由老师的引导和自我的判断，逐渐掌握发声的窍门，对于学器乐的人来说，能看到肢体的动作是如何在影响着声音，已经是非常幸运的，可是也因为如此，我们时常会忽略了对耳朵的锻炼，反而吹毛求疵的去要求肢体上的动作。 所以在学习掌握良好的弹奏方式时，同时也应该开发自身的耳朵，也就是听觉上的分辨能力，在演奏音乐时能表现出缤纷多样的音色，让音乐生动起来，当然，干净的声音是首先必须学会的，虽然有些现代音乐并不要求完全干净的声音。

　　耳朵的训练也包括多听，听各种乐器，包括人声的音乐，听各个时代不同的音乐风格，听各种编制的乐器组合以后的效果，听各个地区不同民族的音乐，让脑海中留下印象，当我们抱起手中的吉他时，开始发挥想像力，弹塔雷加的《茶花女主题幻想曲》时，想像手中的吉他是位声乐家，歌唱优美的旋律;弹巴赫的《小步舞曲》时，想像手中的吉他是部大键琴，有着金属般清新的音响;弹朱里亚尼的《大序曲》时，想像手中的吉他是一组管弦乐团，有着各种乐器的丰富色彩….. 这是学习音乐很重要的一部分，当我们把所谓的“技巧”都掌握了以后，回过头来才发现这部分的学习太少了，对于喜欢吉他喜欢音乐的人而言，弹琴和听音乐都应该成为生活的一部分，而且拥有同样的比重。

　　在吉他上的应用

　　音色在吉他上的应用问题，首先是硬体部分，按理来说影响吉他音色的主要因素应该是乐器本身和使用的琴弦，这是“先天性”的因素，同一个人弹不同的琴，我们可以分辨出每把琴的区别，可是同一把琴给不同的人弹，也会有不同的感觉，就像Matthias Dammann制作的吉他，给Manuel Barrueco和David Russell使用，出来的声音竟是南辕北辙!曾经有一位小提琴家在同一场音乐会中使用了好几把小提琴，理由是每把琴的音色不同，适合的音乐风格也不同，我想除非是职业演奏家或是乐器收藏家，否则很难有此待遇吧，所以这里先把硬体部分的影响因素排除，来谈谈演奏方式对于音色的影响，右手的触弦时常被视为最关键的部分，有很多讨论触弦法的好文章，已经深入地对此分析过了，但我觉得这些文字性的分析，适合已经有一定基础的学习者，不适合初学者。所谓有一定的基础，是指己经能够将听觉和肢体配合在一起，听觉上要求的声音，能够透过肢体的反应表达出来，如果不行，也能透过文字的叙述和观察自身的动作，找到想要的声音，这表示耳朵已经有了明确的仲裁权。对于初学者，我认为直接找老师求教才是最好的方法。

　　除了右手的触弦，左手的按弦也是影响音色的重要关键，称为“运指法”，也就是把位的安排，当然，想要有干净的音色，首先得把弦按紧，如何施力，方法很重要。我不太喜欢用“按紧”这个词，理想的按弦状态应该是place (放置)，而不是push(施压)，按弦需要的力气是以能够弹出声音的前提下，所需的最小力气，只要声音能够清楚的发出来，左手再用更多的力气去按弦，就是浪费力气，结果会导致手指手腕僵硬，影响移动的效率。

　　而“运指法”所牵涉的范围更接近表达音乐的内容，同一个音在不同的把位弹出，效果不同，如何设计把位和指法，时常困扰着演奏者，因为有些把位上的设计虽然难弹，但这是基于音乐上的需要，再难也得克服，有时谱面上的把位设计是刻意的卖弄舞台效果(造成手指上下飞跃的奇观)，其实可以适当的简化。

　　从塔雷加(1852～1909)开始到之后的吉他音乐，乐谱上通常都已标明重要的左手指法，包括把位。因为自从制琴家Antonio de Torres (1817~1892)将吉他的有效弦长定为65公分后，吉他的外形才定案，Torres制作的吉他也成为现代吉他的制作典范。换句话说，在Torres之前的吉他外形是五花八门，用现代的吉他去弹奏那时的吉他音乐，会遇到很多指法上的问题，有些在当时的吉他上很好弹的指法，对于体积更大的现代吉他来说，手指需要更多的扩张，而再往前推，就会推到甚至“吉他”都还没出现的时代，现在的所谓文艺复兴或巴洛克时期的吉他名曲，其实都是改编曲，既是改编，就存在“版本”的问题，优秀的改编版本，演奏出来的效果会比较忠实于当时的音乐风格，不至于添加一些奇怪的和声或声部。 对于演奏者而言，此时的作品谱面上比较干净，还留有很大的空间，考验着演奏者的深度，要求演奏者深入的分析并决定运指法。