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　　古典吉他音阶学习方法

　　说起音阶练习，大多数人想到的可能是无数种音阶。什么自然大小调音阶，和声大小调音阶等等等等.

　　这些音阶的练习，无论在任何乐器中，都是伴随一个演奏者一生的练习，从初学到最后技术与音乐性日趋成熟之后，不同的阶段都有不同的练习目的。但单就从技术入手，音阶的练习价值到底在哪些地方，恐怕无几人能晓。我认为，在学琴初期，尚未能打下坚实的技术基础以前，音阶练习不在多，而在精。那现在就以小弟个人经验，谈谈音阶的几个基本的练习目的和如何把一条音阶弹好。

　　演奏音阶的要求主要在以下几点：

　　1，音与音之间完成的要连贯，给人感觉一气呵成。

　　吉他的乐器本身的特点造成，发出的音是以颗粒状出现。这一点与钢琴相似，比起其他弓弦乐器来，在发音的连贯流畅方面就有一些劣势。所以为了做到连贯统一，吉他演奏者必须掌握的基础的一项技术，就是保留指法。在音阶练习中，如要做到连贯统一，也就必须运用保留指法这个技巧。这就是说，要保持每个音之间不间断，必定在弹完某个音后某个指头必须保留在琴弦上，以使其延长。并且这个保留的手指，不能影响下一个音的出现与质量。在演奏音阶中，做到这一点，必定可以练习手指的独立性。这也是音阶的基本练习目的之一。

　　2，音色要统一，优美。

　　一条完美的音阶，音色应该是统一，优美的。一个完美音的发出，综合了左右手的很多细微的技巧，非一日之功。在音阶练习中，我们就要积累对音色美感的认识，和对音色的敏感。左手按弦的方式，按弦的力度，时机，等等条件，都能影响到音色。右手的过弦速度，力度，角度，也能影响到音色。其中涉及面较广，就不详细解说。提出音色要求，只是希望大家在演奏音阶的过程中，培养一个对音色的意识。

　　3，强弱的起伏。

　　音乐是有规律的，如果遵循这种规律，那音乐既可得到生命。成为活生生的东西，这样才具有感染力。其中很重要的一点，也是小弟看到过很多人忽视的一点，就是演奏中的强弱起伏。这也就是平时所说的音乐中的感情体现的一个方面。那强弱的规律，在音阶中很好体现，所以我们应该在音阶练习中形成科学正确的对音乐的理解方式。具体的做法很简单，就是上行的音阶渐强，下行的音阶渐弱。很多人在演奏中，虽然乐感能到位，但却没有做过这方面的训练，基本工夫不够，所以造成想强强不上去，想弱弱不下来。所以音阶也是练习这方面的一个很好的工具。

　　4，速度的均匀。

　　与前面几点相比，速度是最不容易被练习者疏忽的一个问题。但真正对速度的要求，不仅仅是在快，更重要的是在慢。关于这个，可以举个很简单的例子，当你在以 60的速度1对8的弹一个音阶的时候，也许你的每个音之间的时值是很均匀的。而当你以每分钟60拍的速度1对1或者1对2的时候弹同一个音阶，你的每个音的时值会变的很不平均。所以我提倡的还是慢练，越慢越好。在慢练的过程中，去努力做到上面所说的3点。当这三点都做的很完美了速度也均匀了，自然音阶也能弹到很快了。并且快而精。

　　以上是从音乐性的角度出发，所谈的音阶练习的几个要求与方法。大家可以从上面的要求看出，音阶的练习几乎包含了所有音乐最基本的内容。所以无论什么程度的演奏者，音乐的练习都是必不可少的。

　　给大家介绍了小弟一点不是经验的经验，希望能对大家有用。由于时间仓促，水平有限，文中有很多错误之处，还希望大家批评指正。

　　古典吉他演奏时左手技巧有哪些

　　抛开装饰音不说，在古典吉他演奏中，左手的任务就是为右手准备演奏所需的素材。

　　古典吉他学习到了一定的程度，大家应该都会感觉到，许多乐曲的难度都在左手。有些乐曲，不管弹多少遍，都停留在同一水平，即到了我们所说的瓶颈期。

　　我见过许多学生，他们在老师的指导下按部就班地完成左手的基本功如手指独立性、扩张和圆滑音等的练习，可是他们在演奏时，却动作僵硬而且连接不准确。

　　老师说，要放松，慢慢练，并拿过琴做一下示范，然后说，就是这样，接着来一段炫技的演奏，学生听得是热血沸腾啊!决心从头开始，慢慢来，可是刚练了两三天，就没信心了，为什么呢?因为他改变的仅仅只是速度，不论他练多慢，也不论他练多长时间，当速度恢复到以前的水平时，演奏依然不流畅。

　　学生不明白，和那些在演奏时看上去轻松自然的演奏者相比，自己到底从一开始学琴的时候就缺少了什么。

　　你可能会问，老师怎么不教给他们呢?

　　事实上，这确实是一个极微妙极难回答的问题，老师把用力正确的学生看作是有天赋的或是肌肉素质好的，并把他们当做重点培养对象。对用力不正确的学生，老师也没办法，因为这实在难以言传，只能将就着说，放松，慢慢练。

　　所以，即使是知名的老师，他的学生中也有许多会因为难以领悟左手技巧而不能轻松自然流畅的演奏，成才的只是极少数有天分的学生。

　　而这些导致在演奏过程中有些人看上去轻松自然而有些人则僵硬紧张的东西，这些在教学中老师总是用“要放松，手指要独立按弦，用力要恰到好处”这些字眼来让学生去获得的东西，是否只是只可意会不可言传的感觉，或者是少数人得天独厚、天生的才赋?当然不是。

　　这些东西从我们学琴的第一天就伴随着我们，掌握它是在古典吉他演奏中为保证演奏流畅和演奏者动作轻盈的视觉效果所必需的。

　　我们可以找到它，将它确立为一种思想，用它来指导我们的左手，来检查我们是否是在正确的按弦与移动，来检查我们所选择的练习曲或是乐曲是否已经超出了自己的能力范围。

　　下面，我们就来确立这种思想。

　　你以标准姿势持琴，左手自然下垂，在你左前方的桌子上，你身体不用前倾就能伸手够到的地方放个杯子，再在前方放一面镜子，让你能看到自己的全身及桌上的杯子。

　　现在你伸手去拿桌上的杯子，然后回答下列问题：

　　1、你能拿到杯子吗?

　　2、镜中的你在拿杯子时，有没有出现在你弹琴时出现的那些僵硬紧张的动作?

　　回答很简单：1、能拿到

　　2、没有出现，自然极了

　　我们再理想化一点，你以标准姿势持琴，左手自然下垂，现在杯子就贴着指板悬浮在指板前方。你不要犹豫，就像刚才伸手去拿桌上的杯子一样去拿悬浮于指板前方的杯子，相信也不会有问题，镜中的你同样也不会有在你弹琴时出现的僵硬紧张的动作吧!

　　我们再进一步设想，现在你的指板前方悬浮了几个杯子，而且都是贴着指板整齐的排列着。

　　然后，你需要完成以下动作：

　　就像伸手去拿桌上的杯子一样，去握住其中一个杯子，松开，然后再去握住另一个，松开，再下一个……但一定要以伸手去拿桌上的杯子一样的感觉去完成(这是极其重要的，再次反复强调)。

　　看看镜子里边的你吧，这个时候，抛开手指不说，你的动作就像约翰威廉斯一样轻松自然，漂亮极了。

　　在上述过程中，手臂是传送工具，手指是操作工具，指板则是操作平台。

　　在你以平时伸手去拿桌上的杯子的感觉去握住又松开一个又一个在你设想下整齐的贴着指板排列的杯子的过程中，是什么保证你能如此放松准确地移动呢?当然是传送工具手臂。

　　在我们出生后，从我们具备了基本的肌肉力量开始，当我们对周围的事物产生好奇时，除了用眼神和声音表示外，我们还会伸手去够，去摸。我们绝对不知道什么是肌肉，什么是紧张和放松，不会考虑做一个伸手动作要用到哪些肌肉，要怎样用，我们的注意力只在眼前的物体上或是在物体与手的相互位置关系上，一切肌肉收缩与伸展都是在无意识状态下完成的。在这种情况下，我们的传送工具手臂处于最自然、最放松、最科学的状态。而无数次的试探也让我们的手臂拥有了超乎想象的空间定位感。

　　那么在弹琴的过程中，又是什么来保证我们的左手能够放松准确地移动呢?当然还是传送工具手臂。

　　把上述你握住杯子又松开的动作环节改为左手指按弦与撤力，不就是演奏中左手按弦与移动的过程吗?只是在古典吉他演奏中，需要手臂的这种定位更精确，需要手臂对空间更敏感。手臂则同样应当尽量处于你握住又松开杯子过程中的状态，这种状态是人最自然、最科学、最有发展潜力的状态。我们将这种状态叫做左手臂的自然状态。

　　现在我们将握住又松开杯子的过程与演奏中左手按弦与移动的过程仔细做一下比较发现：

　　1、握杯子时，手指是整体运动(用力)，演奏时左手指则需独立运动(用力)。

　　2、握杯子的动作要求精确度不高，而弹琴时则要求传送工具手臂将手指指肚精确地放在琴弦相应的品格上方。

　　于是，在演奏中，问题出现了。

　　在我们考虑手指单独发力和垂直按弦，或者是因指力不够而导致借力或者是为完成某些技巧确实需要借力时，我们在平时只做手指整体运动(用力)的情况下拥有的那种最自然、最科学的也是我们从未去体会过的传送工具手臂的自然状态可能就被打破了。这种自然状态被打破的结果就是在演奏中左手看上去僵硬、不放松甚至导致连接不准确。

　　为了达到演奏流畅和演奏者动作轻盈的视觉效果，就必须尽量使左手臂在演奏中出于自然状态。

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